Crítica de "Pantera Negra"

O cinema, assim como as demais formas de expressão artística, é um retrato da sociedade. Todo filme está inserido em algum contexto sociopolítico que explica muito sobre a sua realização. Infelizmente, o cinema que trata da representatividade negra nunca foi muito divulgado em Hollywood. Basta lembrarmos de uma das últimas apresentações do Oscar, em que nenhum negro foi indicado a categorias de atuação, roteiro e direção. Contudo, o apelo da campanha "Oscar So White" parece, finalmente, começar a fazer efeito, dando maior visibilidade para o surgimento de excelentes cineastas negros que, além de proverem obras com conteúdos fantásticos, também apresentam um forte caráter identitário. Basta lembrarmos do icônico "Moonlight" - vencedor do Oscar de melhor filme do ano passado - e "Corra!": filme elogiadíssimo pela crítica e indicado nas principais categorias desse ano da Academia. Seguindo esse contexto, o grande e poderoso Marvel Studios lança um filme de verdadeiras raízes africanas: "Pantera Negra". Em um momento de busca por representatividade e repressão política ao redor do mundo, o simples fato da Marvel conceber um projeto desses é fabuloso. Porém, "Pantera Negra" não se resume a isso; muito pelo contrário. Sob a direção do ótimo Ryan Coogler (responsável por "Fruitvale Station" e "Creed") e contando com um elenco estrelado, o filme é uma sequência imediata dos acontecimentos de "Capitão América: Guerra Civil" e acompanha o príncipe T'Challa (Chadwick Boseman) em seu retorno ao seu país, Wakanda. Durante a sua coroação, todavia, um rival chamado Erik Killmonger (Michael B. Jordan) surge para reivindicar o trono.

Um dos principais problemas da Marvel em relação a roteiro é a sua fórmula batida que, apesar de eficiente, desgasta o espectador com o passar dos filmes (afinal são 3 filmes por ano do estúdio). O roteiro de Joe Robert Cole e Ryan Coogler, apesar de não se desprender totalmente da fórmula de filmes solos de heróis, consegue fornecer alguns avanços extremamente interessantes, narrativamente falando. Além do próprio T'Challa/ Pantera Negra possuir um arco dramático bem resolvido, emocionante e engrandecedor, os personagens secundários também têm a sua relevância. O próprio vilão do filme foge um pouco de estereótipos maniqueístas. Apesar do roteiro nunca mostrar suas motivações como corretas, elas são compreensíveis, principalmente, devido ao background do personagem. Aliás, quando as revelações sobre a sua vida são feitas o roteiro leva o filme para outro patamar por, justamente, mostrar que todo ser humano é falho, até mesmo o seu maior ídolo. E, quando T'Challa vira rei de Wakanda, ele aprende que não pode responder pelos erros passados, mas sim projetar um futuro melhor. Essa grandiosidade narrativa apresenta um profundo caráter político, já que, com base na diversidade e na aceitação da comunhão entre os povos, o progresso seria atingido. Aliás, o fato de todo esse enredo estar baseado em um país africano de alta tecnologia inverte totalmente a lógica da relação metrópole-colônia, colocando os negros em uma áurea de superioridade notável naquele universo, mas sem nunca demonizar todos os brancos. Nesse quesito, o personagem de Martin Freeman surge como um exemplo útil do bom relacionamento entre as diversas etnias. E, mesmo com tamanho peso, o filme não desvia muito do padrão ao incluir diversos alívios cômicos e gags que dão leveza à narrativa. Embora nem sempre em momentos oportunos, os momentos de descontração são importantes para a fluidez rítmica da metragem.

A direção de Ryan Coogler, cinematograficamente falando, talvez seja o ponto forte do filme. O diretor tem total controle sobre a sua câmera, principalmente nas cenas de ação, fazendo com que todos os movimentos sejam bem entendidos pelo público. Além disso, as cenas de luta são muitíssimo bem coreografadas, dando ao filme uma grandeza épica deveras interessante. A fotografia também merece destaque: existem quadros do longa que são simplesmente fantásticos e os enquadramentos usados por Coogler reforçam o poder das cores e todo o simbolismo visual de cada passagem. Como uma das grandes virtudes do filme é a representatividade, os figurinos e a maquiagem que remetem às diferentes tribos africanas simbolizadas pelas tribos que compõem Wakanda são bem acabados, com uma explosão de cores e artefatos que geram estranheza inicial no espectador ocidental, porém, com o passar do tempo, tais traços tornam-se corriqueiros na tela. Nesse quesito, a obra acerta muito em expandir o Universo Marvel nos próprios costumes de Wakanda, sendo os diferentes rituais, a língua e a religião partes importantes, inclusive, da trama. Todo esse cuidado narrativo e estético possui respaldo na excentricidade do próprio filme, haja vista que o longa concentra-se na sua própria história, sem se preocupar com a inserção de outros heróis da Marvel. Felizmente, o Homem de Ferro não aparecer para salvar o dia. Tratando-se de elenco, o longa apresenta atores em grande forma. Lupita Nyong'o, Danai Gurira, Daniel Kaluuya, Leticia Wright, Michael B. Jordan, Chadwick Boseman... Todos estão muito bem, com destaque à relação herói-vilão entre Boseman e Jordan. Este, em sua terceira participação em filmes do diretor, apresenta carisma suficiente para prover um nêmesis à altura do herói, também muito bem desenvolvido devido à forte presença de Boseman.

Outro ponto interessantíssimo do roteiro é a sua semelhança com "O Rei Leão" que, por sua vez, é uma releitura de "Hamlet". Isso não significa falta de originalidade, mas a diferente roupagem que essa história apresenta aqui vale o ingresso. Um "O Rei Leão" situado em um país mítico do Universo Marvel foi capaz de dar certo devido ao cuidado das diferentes partes responsáveis pelo filme. Vale ressaltar a trilha sonora genial de Kendrick Lamar, capaz de se encaixar perfeitamente com os diversos momentos da sessão (o álbum "Black Panther", disponível também nas plataformas digitais, é excelente). É tanto esmero na produção de "Pantera Negra" que o filme assume tons grandiosos demais. Mesmo não sendo um filme perfeito cinematograficamente, devido a algumas convenções de roteiro aqui e outros furos ali, o longa se assemelha com "Mulher Maravilha", por representar uma parcela da população historicamente excluída e discriminada. Mais do que como filme, "Pantera Negra" precisa ser visto como uma obra político-social de representação. Surgindo como um "Rei Leão" da Marvel, o longa apresenta cenas de ação empolgantes, arcos bem desenvolvidos e uma estonteante cinematografia, fatores que fazem a obra fugir das convenções do gênero e se assumir como um importante filme.

Nota: 

- João Hippert

Crítica de "A Forma da Água"

Guillermo del Toro é um dos diretores mais queridos pelo público nerd ao redor do mundo. Isso porque o diretor foi responsável por levar o anti-herói Hellboy para as telonas, além de dirigir o segundo filme do caçador de vampiros Blade. Além disso, del Toro também tem o carinho do público ligado a um cinema mais artístico devido às suas excelentes obras "A Espinha do Diabo" e "O Labirinto do Fauno", em que o diretor trata da relação entre humanos e seres fantásticos, onde o tom fabuloso e as alegorias criadas são cruciais para o bom desempenho da história. Pode-se dizer que "A Forma da Água" surge para finalizar essa trilogia não-oficial que conta, inegavelmente, com os melhores trabalhos do diretor. Aliás, "A Forma da Água" configura-se como um filme importantíssimo na carreira de Guillermo por ser um dos mais aclamados pela crítica, recebendo, inclusive, 13 indicações ao Oscar, sendo ele o principal aspirante a vencer na categoria de melhor direção. Possivelmente Guillermo Del Toro se juntará a seus conterrâneos Alfonso Cuáron ("Gravidade") e Alejandro G. Iñárritu ("Birdman", "O Regresso") no posto de premiado pela Academia. "A Forma da Água" situa-se nos anos 1960, no auge da Guerra Fria, e acompanha Elisa (Sally Hawkins), uma mulher muda, responsável pela limpeza de uma unidade secreta do governo estadunidense. Eis que chega uma forma fantástica ao local e a história de romance entre Elisa e o "monstro" começa.

O grande problema de filmes como "A Forma da Água" é a expectativa que os bons comentários trazem. Já que vivemos num tempo carente de produções cinematográficas inovadoras, a ideia de del Toro fazendo um filme artístico e profundo é tentadora demais para ser ignorada. Cria-se, portanto, o monstro da expectativa que, muitas vezes, é responsável por resultados insatisfatórios. E foi exatamente isso que aconteceu. Não que o filme seja ruim; pelo contrário, porém existem incongruências demais para ele estar no mesmo patamar de "Blade Runner 2049" e "Mãe", dois dos filmes mais esnobados do último ano. O principal ponto negativo de "A Forma da Água" reside no roteiro de del Toro e Vanessa Taylor. Por se tratar de um romance entre seres visualmente incompatíveis, é impossível o filme não se basear na estrutura de "A Bela e a Fera". Mas se a animação e o próprio remake acertam em deixar o amor entre a Bela e a Fera crível, aqui isso não existe. O primeiro ato do longa é extremamente apressado, fazendo com que a empatia entre Elisa e a criatura seja deveras forçada. Além disso, o filme não toma tempo suficiente para dar pausas narrativas que engrandeçam o desenvolvimento dos personagens secundários. Tirando Elisa e seu vizinho Giles (Richard Jenkins), todos os personagens são unidimensionais e caricatos. O vilão segue o arquétipo do homem mau, em todos os sentidos, e o fato dele não apresentar nenhuma sensibilidade, nem mesmo em casa, cria sobre ele um estigma artificial que o levará ao esquecimento. A personagem de Octavia Spencer parece existir apenas para ser o alívio cômico da obra, sem apresentar alguma profundidade que dê importância à ela. Além dessa pobreza narrativa em relação aos personagens, o filme peca por querer ser maior do que é. Por ser situado em um ambiente de Guerra Fria, o longa parece se ver obrigado a incluir uma subtrama de espionagem. Esta, entretanto, é desinteressante, clichê e totalmente dispensável para o desenrolar da história, acrescentando minutos tediosos e desnecessários para o longa.

Mesmo com tantos problemas narrativos, "A Forma da Água" se sustenta devido ao completo amadurecimento de seu diretor Guillermo del Toro. A câmera do mexicano é inquieta; nunca somos apresentados a planos estáticos e toda essa movimentação ajuda no tom de fábula. Além disso, a fotografia é belíssima, contando com verdadeiros quadros em movimento durante algumas sequências. Toda essa beleza estética dá ao filme um tom "vintage" exacerbadamente charmoso, ajudando na imersão do espectador na história. Aliada a isso, está a trilha sonora tocante e envolvente, capaz de suscitar diversas emoções no espectador. Dessa forma, os aspectos técnicos de "A Forma da Água" precisam ser exaltados por tornarem o filme uma verdadeira poesia visual. Alguns movimentos de câmera e enquadramentos, inclusive, lembram muito o tom sonhador de "La La Land". Se não fosse a artificialidade do roteiro, "A Forma da Água" poderia se configurar, facilmente, como um verdadeiro conto de fadas moderno, com um diretor extremamente confiante acerca das próprias decisões. A montagem do filme também merece destaque por prover momentos de descontração decorrentes da colagem das cenas. Por exemplo, em uma cena vemos a protagonista guardando algo em um saco. Na cena seguinte, vemos ela abrindo outro saco com uma coisa diferente. Essa habilidade de edição dá ao filme um tom leve que auxilia no ritmo da metragem.

E, se o roteiro não ajuda muito os personagens secundários, pelo menos Elisa tem um arco bem definido. Sally Hawkins está perfeita no papel, demonstrando uma doçura inocente que nos faz torcer para a personagem, independente de qualquer coisa. Mesmo assim, a falta de veracidade que o romance principal inspira prejudica no peso de suas ações, pois em nenhum momento o espectador é apresentado a um sentimento de perda ou angústia que seja contundente. Outro destaque do elenco é Richard Jenkins, interpretando o artista renegado por conta de sua opção sexual e que demonstra-se solitário, fazendo do humor uma válvula de escape para seu sofrimento. Além dos dois, Michael Shannon, Michael Stuhlbarg e Octavia Spencer apresentam atuações operacionais, muito dificultadas pela falta de aprofundamento de seus personagens. Cada um é capaz de desenvolver apenas um lado da personalidade, o que tira do filme a sua credibilidade narrativa. Por fim, mas não menos importante, está Doug Jones interpretando a criatura aquática com uma habilidade tremenda, utilizando da ótima maquiagem e figurino para criar um ser emocionalmente profundo e fisicamente assustador. Embora apresente roteiro enfadonho, personagens secundários rasos e um romance artificial demais, "A Forma da Água" se mostra um deleite técnico e visual, contando com uma fotografia e com uma trilha sonora que inspiram a verdadeira magia do cinema.

Nota: 

- João Hippert

Crítica de "Lady Bird: A Hora de Voar"

Normalmente, quando se fala "filme adolescente" pensa-se imediatamente em filmes medíocres, sem profundidade, meramente desenhados para um público amplo, com o intuito de gerar capital. E, infelizmente, com o passar dos últimos anos, esta se tornou uma fórmula de sucesso. Tal fato acarreta um preconceito com o subgênero, mas algumas obras se sobressaem e mostram que o cinema que trata de adolescentes pode ser muito adulto. Se nos anos 1980 o mestre em contar tais histórias era John Hughes, com os clássicos "Gatinhas e Gatões", "Clube dos Cinco" e "Curtindo a Vida Adoidado", que sempre pendiam para um lado mais cômico, atualmente Richard Linklater mostrou-se hábil ao contar o cotidiano do jovem estadunidense em "Boyhood" e "Jovens, Loucos e Mais Rebeldes". Mesmo assim, tais filmes focavam muito na relação entre os adolescentes meninos, muito porque baseavam-se nas experiências próprias dos respectivos diretores. Faltava um filme forte que falasse também das angústias, medos e (por que não?) futilidades da jovem contemporânea. "Lady Bird: É Hora de Voar", uma espécie de autobiografia da diretora Greta Gerwig, surge imediatamente após o excelente filme "Quase 18". Mas, se em "Quase 18" a jornada de Nadine tem seu fechamento no último ano de colégio, aqui a proposta vai além. "Lady Bird" acompanha a menina rebelde, desgostosa com a vida na cidade de Sacramento e eternamente em conflito com a sua mãe Marion (Laurie Metcalf), que aspira a fazer faculdade em algum lugar diferente, simplesmente pelo desejo de ser independente ao considerar a mudança de cidade um pré-requisito para alcançar esse objetivo.

Desde o início da metragem, o roteiro de Greta dá indícios de que vai pensar um pouco fora da caixinha, mesmo que conte com uma história deveras comum. O fato da protagonista não atender por seu nome de batismo, mas sim pelo nome inventado por ela mesma (Lady Bird) revela muito sobre o ponto de partida da personagem. Parece que todas as ações tomadas pela protagonista são reações a um ambiente considerado hostil por ela mesma. É aquela velha sina do jovem que considera as responsabilidades de casa grandes demais para ele e culpa seus pais pela própria frustração. Nesse sentido, o roteiro configura-se como um verdadeiro ensaio sobre o amadurecimento, pois trata da passagem de uma juventude rebelde para um início de vida adulta onde o arrependimento começa a bater. E não o arrependimento de não ter feito algo da maneira correta, mas sim por achar que o excesso de culpa e brigas gerados por uma imaturidade juvenil possam ter causado reais problemas. Essa grandeza da narrativa faz com que o espectador, cada um a seu modo, se identifique com a jornada de Lady Bird por, justamente, compreender que a única forma capaz de se valorizar aquilo que é aprendido em casa seja praticando na rua.

E se essa jornada é tão magnífica e reflexiva é porque a química entre Lady Bird e sua mãe merece aplausos. Embora em constante atrito, fica claro, desde o início da película, o amor que uma sente pela outra. E a cada briga que presenciamos, cada xingamento, uma ferida se abre no nosso coração por nos colocarmos no lugar das personagens. Afinal, quem nunca disse alguma palavra que feriu algum ente querido simplesmente pelo calor da emoção? Mesmo tratando-se de um filme com uma temática aparentemente leve, "Lady Bird" parece compreender a bipolaridade dos sentimentos de um jovem, o que é refletido na variação de humor durante o filme. Embora algumas partes sejam dramáticas, ao tratar da depressão ou do aceitamento da homossexualidade, por exemplo, existe a comicidade na relação entre as amigas e nos diálogos ácidos com uma espécie de humor negro. Além disso, Greta provê um texto extremamente substancial, com questionamentos deveras profundo. Por exemplo, existe um momento em que Lady Bird, no meio de uma discussão com a mãe, pergunta: "Mãe, você gosta de mim?". A princípio, parece uma pergunta boba e até mesmo infantil. A mãe responde: "Não vou discutir o meu amor por você". E é então que o brilhantismo do roteiro aparece na tréplica: "Eu sei que você me ama. Mas você gosta de mim?". Essa pergunta é extremamente reflexiva por tocar no âmago das relações interpessoais, principalmente das familiares. É lógico que pessoas da mesma família se amam, é algo natural, instintivo. Mas gostar é diferente. Gostar requer atenção, paciência e afinidade. Através de um pequeno diálogo, o roteiro consegue acrescentar camadas à discussão adolescente, sem nunca se distanciar da jornada de autoconhecimento da protagonista.

Por sinal, Saoirse Ronan doma o filme com uma atuação primorosa. Desde a maquiagem que a rejuvenesce, passando pelo cabelo pintado, Saoirse parece literalmente voltar no tempo para viver de novo os seus 17/18 anos (ela tem 23). A priori, a personagem parece caricata demais: o público parece ser apresentado a apenas uma jovem inconformada, cujas razões de ser parecem meramente fúteis. Entretanto, com o desenrolar do enredo, Lady Bird vai se mostrando uma personagem multifacetada, dotada de angústias e sonhos, o que facilita o apego do público à ela. Essa transformação é mostrada de forma tão natural pela diretora que parece que estamos descobrindo as qualidades e defeitos da personagem junto com ela. E, se primordialmente julgamos Lady Bird como uma personagem mesquinha, o roteiro habilmente desconstrói isso, demonstrando, com isso, o poder do julgamento antecipado e como isso pode nos impedir de conhecer melhor pessoas maravilhosas. Ademais, Saoirse conta com a ajuda da excelente Laurie Metcalf, cuja atuação representa uma mãe amorosa, que busca o melhor para a sua filha, mas parece simplesmente não se entender com ela. Mesmo que "Lady Bird" foque no amadurecimento de sua protagonista, é inegável a evolução da mãe como personagem, o que eleva, mais uma vez, o padrão narrativo da obra. Todo esse toque cotidiano é facilitado pela direção totalmente segura de Greta Gerwig, que dá ao filme um caráter episódico, visto que é impossível não se identificar com, pelo menos, algum ponto da história. "Lady Bird" trata de uma belíssima jornada de autoconhecimento e maturidade, caracterizando-se como uma crônica sobre a passagem do tempo e sobre a validade das instituições sociais, principalmente a familiar, através de um roteiro belíssimo e de uma direção completamente fluida de Greta Gerwig.

Nota: 

- João Hippert

Crítica de "Três Anúncios Para um Crime"

O cinema western, conhecido no Brasil como faroeste, é um dos marcos de Hollywood. Os filmes que retratavam John Wayne no papel de mocinho ou Clint Eastwood como um anti-herói marcaram época e serviram também para engrandecer a identidade nacional estadunidense, visto que a figura do cowboy é um símbolo daquela nação. Esse gênero cinematográfico, entretanto, caiu em desuso ultimamente, tanto pela saturação de histórias e personagens situados no Velho Oeste, quanto pela aspiração do público a novos gêneros. Nesse ínterim, surpreendentemente, um novo tipo de western surgiu: o western moderno. Agora não existem mais mocinhos e bandidos, tampouco duelos de pistola no meio da cidade, mas sim retratos cotidianos de uma vida dura e pacata do interior estadunidense. Um filme que pode simbolizar perfeitamente essa nova tendência é "Onde os Fracos não Têm Vez": um impactante estudo de personagens que traz o crime como um motor ao seu roteiro. Desse modo, os irmãos Coen (diretores do filme) inauguraram uma forma de fazer cinema deveras autoral, dotada de bastante originalidade e vitalidade narrativa. É nesse contexto que "Três Anúncios para um Crime" ("Three Billboards Outside Ebbing, Missouri") se insere. O filme acompanha Mildred (Frances McDormand), cuja filha foi estrupada e assassinada e que traz à tona ineficácia da polícia local através de três outdoors colocados na saída da cidade. É aí que começa um embate entre Mildred e o chefe Willoughby (Woody Harrelson), em um drama interiorano que poderia, facilmente, ter a assinatura dos irmãos Coen.

O roteiro, assinado por Martin McDonagh, é um dos pontos fortes da obra. Seria muito fácil - e até mesmo petulante - colocar Mildred em um pedestal, dando toda a razão à ela, enquanto a polícia fosse execrada e criticada ao extremo. Todavia, em vez disso, McDonagh é hábil ao fugir de maniqueísmos e promover um verdadeiro estudo psicológico dos personagens. Se por um lado percebemos o desespero de uma mãe em busca de justiça, por outro somos apresentados a ações dessa mesma mãe que transcendem a moralidade. E se a polícia claramente não foi capaz de desempenhar seu papel, também acompanhamos o sofrimento do xerife em solucionar o caso. Desse modo, os personagens de "Três Anúncios Para um Crime" vão se tornando esféricos à medida que não aparece um lado correto. Além disso, um grande acerto do script é o trato das coincidências da vida como algo cômico. O roteirista tem a habilidade de inserir certas gags, com respaldo narrativo, capazes de aliviar o ritmo do filme, assim como proporcionar genuínas risadas. Ademais, um dos grandes pontos abordados pelo longa refere-se às noções de moral e justiça. Até onde uma mãe pode ir para achar o assassino de sua filha? Até que ponto uma polícia com histórico racista pode ser confiável para o cumprimento da lei? Tais questões são sutilmente abordadas ao longo da metragem, fato que potencializa o caráter crítico/satírico da obra.

A direção (também de Martin McDonagh) é extremamente bem executada. O diretor alterna entre planos sequências e planos longos que dão ao ambiente um senso de pacatez extraordinária, pois, embora a cidade pareça ter a tranquilidade do interior, os acontecimentos retratados pelo filme aumentam a tensão envolvida. Assim, o trabalho do diretor de fotografia também deve ser exaltado por conseguir prover uma limpeza visual ímpar, assim como rimas visuais que engrandecem o valor artístico. A trilha sonora também merece destaque, principalmente pelas músicas cantadas apresentadas durante o longa que possuem um encaixe perfeito com o arco da história. Aliás, o grande trunfo do filme reside na construção do arco de seus personagens. Mildred, a princípio durona, vai mostrando suas emoções ao longo do filme e o público começa a se apegar à ela, principalmente ao seu sofrimento. Ao mesmo tempo, o policial Dixon (Sam Rockwell), sob uma primeira perspectiva odioso, apresenta um salto narrativo muito grande, sendo um exemplo da liberdade em detrimento do determinismo, porque, embora criado em um ambiente segregacionista, o policial parece compreender ao longo da história o que um verdadeiro xerife deve fazer, sob o ponto de vista moral. Assim, a participação do chefe Willoughby como uma espécie de referência paterna é de um acerto tremendo.

Todo esse brilhantismo de personagens é bastante facilitado pelo excelente elenco. Frances McDormand apresenta uma atuação crua, cheia de trejeitos, mas que suscita pena e afeição. Mesmo que seja uma personagem típica da atriz, McDormand consegue fugir da caricatura e prover um trabalho crível e competente. Ao mesmo tempo, Woody Harrelson demonstra-se seguro de si e de seus personagem. Apesar de possuir o arco mais simples, seu personagem é um importante motor para as histórias de Mildred e Dixon, sendo responsável por ser um trampolim narrativo muito eficaz. Por fim, Sam Rockwell é a grata surpresa do longa por, principalmente, saber aliar o tom cômico com o dramático através de uma linha tênue, o que dá ao seu personagem um viés multifacetado. Desse modo, o filme consegue construir um senso de absurdo cotidiano que potencializa as curvas dramáticas da trama. Contudo, em alguns momentos, esses pequenos clímax de tensão são seguidos por momentos de monotonia extrema ou, até mesmo, de divagações do enredo que prejudicam o ritmo do filme e o resultado do final da película. Mesmo assim, "Três Anúncios Para um Crime" é um forte estudo de personagens, cujo roteiro analisa os limites entre a moralidade e a justiça, utilizando da imensa qualidade de seu trio protagonista para prover um ótimo filme.

Nota: 

- João Hippert